Photojournaliste de grand talent et cofondateur du collectif L’œil Public, Guillaume Herbaut s’est imposé comme l’un des représentants les plus novateurs et audacieux de la photographie documentaire en France. Depuis vingt-cinq ans, il braque son objectif sur des endroits chargés d’histoire, de drames et de symboles, interrogeant sans cesse les soubresauts du monde d’aujourd’hui. De Tchernobyl à l’Ukraine en passant par Nagasaki ou l’Albanie, il poursuit un travail au long cours, à la fois didactique et poétique, dans un style bien à lui où la sobriété ne nie pas l’esthétisme et renforce d’autant la puissance du message. L’exposition s’articule autour des grands sujets de son travail : photographier la terrible menace invisible de la catastrophe nucléaire, les conditions de vie dégradées de celles et ceux qui survivent dans la zone contaminée, les salons professionnels de l’armement et leur commerce de mort, les vendettas en Albanie et son cortège de peur et de deuil, l’Ukraine où Guillaume Herbaut se rend depuis des années pour y témoigner des tensions qui déchire ce pays.
Légende photo : Lina Hili. Son mari était comptable dans une petite entreprise de maçonnerie de Shkodra, Albanie. Le 5 octobre 1999, après avoir récupéré les salaires du mois à la banque, il a été abattu dans la rue par un homme qui lui a dérobé les 130 000 leks cachés dans sa sacoche (l’équivalent de 1 000 euros). Lina a été vengée par son beau-frère. Depuis, elle craint que son fils ne soit la prochaine cible.
Pour mémoire, Grand Arche du Photojournalisme (Paris).

Depuis sept ans, Ferhat Bouda documente en noir et blanc la vie des Amazighs — ou Berbères —, terme qui signifie « homme libre » et participe à la lutte contre l’assimilation et l’oubli auxquels ils sont assignés. Ne s’inscrivant pas dans la logique d’État-Nation, ce peuple occupe un vaste territoire qui s’étend des côtes atlantiques du Maroc jusqu’à l’oasis de Siwa en Égypte. Singulière et plurielle, la culture berbère est l’une des plus anciennes mais aussi des plus méconnues et des plus menacées d’Afrique du Nord. Opprimés, dispersés, voire souvent persécutés, les Berbères sont profondément attachés à leurs traditions et revendiquent leur identité. Ils sont nomades ou sédentaires, musulmans, chrétiens ou juifs et représentent une minorité qui résiste à la tyrannie. Ferhat Bouda présente ici deux volets de son travail effectué au Niger et au Maroc. Les Amazighs sont délaissés des gouvernements et vivent souvent sans électricité, sans dispensaire, sans école, mais parviennent à s’auto-suffire grâce à leurs connaissances ancestrales. Bien souvent, les hommes quittent les villages pour travailler en ville. Les femmes sont alors les gardiennes de la mémoire vivante des traditions amazighes.
Légende photo : Berbères du Maroc. Depuis le décès de leur père en 2013, qui a mis fin à leur vie nomade, Djawad et sa sœur s’occupent du bétail. C’est le seul revenu de leur famille. Timetda dans la région d’Amejgag, 2016 (crédit : agence VU).
Les Berbères, Galerie de la SCAM (Paris)

Une fois la nuit tombée sur Phnom Penh ou Siem Reap, seuls les centres touristiques et les grands axes sont bien éclairés, le reste de la ville s’enfonçant dans une quasi totale obscurité. C’est le territoire et le moment choisi par Sovan Philong qui, à la manière d’un explorateur urbain nocturne, sillonne sur sa moto ces quartiers mal ou peu éclairés à la recherche des scènes de vie qui s’y cachent. Quand il les trouve, il se sert du phare de son véhicule pour éclairer son sujet et faire ses images. Avec humour, il se compare parfois au chasseur qui attrape le lapin dans le faisceau lumineux, tant il est vrai que les personnages paraissent figés comme de fugaces apparitions un peu étranges et mystérieuses par leur absence d’expression. Encore une fois, c’est beau une ville la nuit.
Légende photo :Two sisters (Deux sœurs). Crédit : Sovan Philong.
In the city by night (Dans la ville la nuit), Galerie Lee, Paris. Exposition partenaire du festival Cambodge, d’hier à aujourd’hui.

Au début des années 1980, Jean-Luc Monterosso, qui n’est pas encore directeur de la Maison européenne de la Photographie, se rend à New York où il rencontre alors le conservateur de la collection photographique du MoMA. Il lui demande ce qu’il pense de la photographie contemporaine française et la réponse tombe : « It doesn’t exist ! » Trente ans plus tard, à l’occasion de son départ de la MEP, Jean-Luc Monterosso lui répond par cette exposition sur la photographie française de 1980 à nos jours, qui prend la forme d’un récit très personnel et subjectif, avec des partis pris et des convictions.
Légende photo : Oaxaca, Mexique, 1980 (crédit : Sebastião Salgado/Amazonas Images/Collection MEP Paris).
La photographie française existe… Je l’ai rencontrée, Maison Européenne de la Photographie (Paris).

Raoul Hausmann fut membre du mouvement Dada à Berlin, initiateur de la poésie sonore, pionnier du collage et du photomontage, écrivain, directeur de revues. De cet expérimentateur en tous genres, Laszlo Moholy-Nagy disait « Tout ce que je sais, je l’ai appris de Raoul. » L’exposition reconstitue une œuvre photographique mal connue à partir de 130 tirages d’époque réalisés par ce photographe passionné et prolifique, sensible et lyrique.
Légende photo : Regard dans le miroir, 1930 (musée départemental d’art contemporain de Rochechouart).
Un regard en mouvement, Jeu de Paume (Paris).

Exposition rétrospective consacrée à la photographe américaine Susan Meiselas, qui réunit une sélection d’œuvres allant des années 1970 à nos jours. Membre de Magnum Photos depuis 1976, Susan Meiselas questionne inlassablement la pratique de la photographie documentaire. Elle s’est fait connaître par ses images sur les zones de conflit en Amérique centrale dans les années 1970 et 1980, notamment par la force de ses photographies en couleur. Couvrant de nombreux sujets et pays, de la guerre aux questions des droits de l’Homme, de l’identité culturelle à l’industrie du sexe, elle utilise la photographie, le film, la vidéo et parfois des matériaux d’archives dans une volonté constante de construire des récits auxquels elle associe ses sujets en tant qu’acteurs. L’exposition met en évidence cette démarche unique, qui traverse les conflits dans le temps avec une approche personnelle autant que géopolitique.
Légende photo : Dee et Lisa, Mott Street, Little Italy, New York, 1976. Série « Prince Street Girls » (crédit : Magnum Photos).
Médiations, Jeu de Paume (Paris).

Le travail d’Olivia Gay s’articule autour de la représentation féminine, spécifiquement dans un contexte professionnel, mais aussi, parfois, dans un cadre plus intime : les dentellières de Calais, les prostituées de Cuba, les détenues de la maison d’arrêt de Caen ou bien encore les religieuses du monastère Saint-Maximin en Provence. À distance d’un photojournalisme qui privilégie l’instant décisif et les images choc, Olivia Gay poursuit une longue et patiente quête d’un regard. Regard sur le travail sous toutes ses formes et sur les femmes, dont elle narre la rencontre à chaque fois singulière. Elle s’intéresse aux postures, aux gestes et aux regards des corps qu’elle photographie. L’importance toute particulière de la lumière et de la couleur, l’utilisation de costumes et d’un fond neutre permet de décontextualiser la photographie, donnant une valeur iconique et intemporelle aux clichés.
Légende photo : Yuleisy, Jineteras, Cuba, 1997 (crédit : Olivia Gay).
Envisagées, Maison Européenne de la Photographie (Paris).